CARTAS AL EDITOR. PARTE II

Al editor, Austin Chronicle, 1994:

El jueves pasado se celebró el ya anual "Día sin Arte" contra el SIDA. Esta unión de fuerzas entre el activismo contra el SIDA y el arte lleva a quien reflexiona a preguntarse cuál es exactamente la conexión vital entre ambos. ¿Qué tiene que ver exactamente el arte con la cura de enfermedades? Aparentemente, el arte ha perdido gran parte de su propósito original (se ha quedado sin empleo, por así decirlo, sin agenda ni agenda propia que lo mantenga ocupado) y ahora es libre de prestar su prestigio, su otrora buen nombre, a cualquier causa, por distante o sin relación que sea. En cuanto a causas, la erradicación del SIDA es una buena causa, pero ¿por qué el arte es el rehén en esta batalla en particular? ¿Por qué no un día sin ciencia, un día sin política o un día sin televisión? O, aún más a propósito, ¿un día sin sexo? Todos podríamos usar braguitas negras por un día y abstenernos, como nación, de tocarnos.

Uno sospecha que el Arte es un rehén porque es un rehén voluntario, un soldado desprevenido y mal dirigido del que podemos prescindir fácilmente. Es el mártir sin nada que perder, el viejo borracho sin amor propio, el pilluelo con cara de granos listo para atravesar las líneas enemigas con un mensaje de los altos mandos. Un día sin Ciencia ni televisión sería la muerte para todos nosotros; ¿pero un día sin Arte? ¿Desde cuándo hemos tenido un día con Arte? La mayoría, me atrevería a decir, agradecemos este asalto diario a nuestros ojos por lo que se hace pasar por arte, cubierto durante 24 horas con sábanas negras y bolsas gruesas, las bolsas gruesas con un efecto estético más sutil, y solo pedimos que el drapeado sea permanente. ¿Dónde está la galería, el banco o el restaurante donde hay arte que extrañaríamos? Estos comisarios y dueños de restaurantes se dan aires falsos para creer que sentimos alguna punzada de pérdida, que este embadurnamiento torpe, esta artimaña de los campos de color, este derrame de pintura y la ferretería son arte y, por lo tanto, imperdibles.

Aquellos establecimientos sin objetos exentos o colgantes, para formar parte de la escena, han cubierto sus logotipos pintados o su señalización artística. ¿Dónde terminará esto? ¿Deberíamos cubrir nuestras cajas de cereales y el salvapantallas? Un día sin arte en una década o un siglo sin arte pierde gran parte de su impacto.

Lo cierto es que el arte no tiene nada que ver con el sida ni con ningún otro activismo, valioso o no; y hasta que el arte recupere su propia agenda, que sea lo menos mundana posible, seguirá siendo la mujerzuela de cada causa célebre pasajera, y será tan imperdible como el proxeneta que se promociona a través de él.

Austin Chronicle , 16 de diciembre de 1994.

Estoy decepcionado. Esperaba una oposición más seria. ¿Entendieron todos, excepto Hank Schwemmer, que mi primera carta no abordaba la homosexualidad ni el activismo contra el sida, sino la politización del arte? ¿Estuvieron todos de acuerdo conmigo en el estado tabético del arte, como categoría, y en la culpa de la política, el uso del arte como herramienta, en esta degeneración? No lo creo. De conversaciones recientes sobre este tema, concluyo que el brillante argumento de Hank habla por la mayoría: cualquiera que no esté al tanto de todas las decisiones de los líderes activistas debe ser un patán homófobo, incapaz de comprender las complejidades de la vida moderna.

No debería tener que explicarlo todo, pero por el bien de Hank —cuyas polémicas subuniversitarias confunden los ataques personales, basados ​​en absolutamente nada, con ingeniosas refutaciones— lo haré. Ante todo, conozco la historia del activismo contra el sida; entiendo lo que intentamos hacer. Yo también he tenido amigos que han muerto de SIDA, y no soy insensible al sufrimiento, ni ignoro la inacción desalmada del gobierno ante esta tragedia. Pero, como artista, creo que arrojar el arte a la pira funeraria es un grave error. Ya ha habido suficiente destrucción.

Porque no hablamos solo de artistas individuales que dedican tiempo y energía a una causa en la que creen, lo cual obviamente es positivo. Hablamos de un Día Internacional sin Arte. El arte, como categoría, utilizado como herramienta política. Es así como el activismo contra el SIDA se convierte en parte de un problema histórico, un problema que ha desarrollado síntomas crónicos o mortales solo en este siglo: la apropiación del arte por parte de no artistas para cualquier propósito concebible —publicidad, propaganda, terapia, entre muchos otros— prácticamente ha sobrescrito la definición original del arte. En la locura por vender, convencer y consolar, hemos olvidado que el arte, cuando realmente nos conmueve, nunca es tan mundano. Hubo una época en la que el artista no era un decorador, un vendedor ni un activista, sino, en el mejor de los casos, una especie de vidente: alguien que descubría la belleza, la profundidad, la sublimidad o la conexión que la mayoría de nosotros no podíamos ver fácilmente. Casi no hace falta decir (debería ser obvio) que esta capacidad del artista requería no solo ojo, sino también habilidad para expresar estas sutilezas.

Ahora, sin embargo, que el arte es política, es activismo, ahora que ser un defensor generoso de una buena causa basta para obtener el título de "artista", por inexpresiva que sea la obra, la artesanía se ha ido junto con el agua sucia, llevándose consigo la belleza, la profundidad y la sublimidad, y el bebé que nos queda es la política, un niño llorón y anémico.

Supongo que no debería sorprenderme no haber recibido ninguna respuesta airada del público posmoderno, de los "artistas". Esto solo confirma mi argumento: el arte por el arte ha muerto.Y cualquiera que se tome el arte y la historia del arte lo suficientemente en serio como para defenderlos es ahora tan extravagante.Como para ser incomprensible.

Austin Chronicle, enero de 1997:

En respuesta a la carta de Jimmy Jalapeeno: Siguiendo esa táctica tradicional de la "vanguardia" de etiquetar de nazi, fascista o, su equivalente neoliberal, republicano a cualquiera que discrepe, Jalapeeno insiste en que todo este alboroto estético es solo una tapadera para una política reaccionaria, para, como dice explícitamente, sacar a Max y Brigid [liberales] del Ayuntamiento. No lo creo, aunque sería mucho más sencillo si lo fuera. Puede que haya algunos, escondidos en agujeros por toda la ciudad, que usarán cualquier medio para cualquier fin, pero la mayoría de quienes coinciden con Michael Barnes sobre la falta de contenido artístico en la obra del Sr. Priour [arte encontrado coleccionado por personas sin hogar] lo hacen sin ningún propósito oculto. Quienes pensamos que el arte debería hacer más que reflejar los problemas sociales actuales no somos quienes hemos politizado este debate. El Sr. Prior hizo eso al elegir a las personas sin hogar como concepto para su última pieza conceptual. Si quería que su trabajo fuera juzgado o comentado en la ciudad por sus méritos estéticos, ¿por qué diseñó una obra cuya apreciación depende del conocimiento de cómo se encontraron los "objetos encontrados"?

Quienes ven este argumento como un ataque a las personas sin hogar o a la integridad del Sr. Prior también pierden de vista la cuestión. Si queremos gastar dinero en servicios sociales, y deberíamos, hagámoslo de la manera más efectiva posible. Pero no lo disfracemos y lo llamemos arte. Si el Sr. Prior quiere ayudar a las personas sin hogar y expresarse como le parezca, está en su derecho. Pero quizá el público esté cansado de los objetos encontrados, el arte propagandizado y la crítica que se hace pasar por pintura y escultura, y quizá tenga todo el derecho a estarlo. El arte se define, en parte, como creatividad; pero se necesita muy poca creatividad para encontrar un objeto, y menos aún para pagar a alguien para que lo encuentre. La gente lo sabe.

El "objeto encontrado" fue inventado, o al menos perfeccionado, en 1916 por Marcel Duchamp y los dadaístas, autoproclamados antiartistas por excelencia. Puede que el Sr. Prior no se considere un antiartista; pero él y la City, intencionalmente o no, están devaluando la habilidad artística, al igual que Duchamp. Al equiparar encontrar un objeto con crearlo, al confundir una habilidad común con una poco común, están difuminando la distinción entre arte y no arte. Duchamp ya no podía vivir, como admitió, en una Europa aún habitada por los fantasmas de Miguel Ángel y Leonardo; y, al no tener el "coraje" existencial para suicidarse, decidió matarlos. Al elevar una cómoda encontrada al nivel de la Capilla Sixtina, llamándola arte, Duchamp rebajó a Miguel Ángel a su propio nivel, liberando así al "artista" sin talento de la opresión de los talentosos.

El modernismo casi logró este asesinato histórico en los años cincuenta y sesenta, pero se necesita más que un bigote dibujado con untuosidad en la Mona Lisa para convencer a la mayoría de la gente de que el arte encontrado en artistas defectuosos como Duchamp es más importante que las grandes pinturas y esculturas. Los críticos, igualmente defectuosos, lo creyeron; han comprado (o vendido) teorías posteriores igualmente destructivas y ridículas, pero quienes no estamos en algún programa de doce pasos para personas con problemas de uvas agrias nunca nos hemos convencido.

Muchos se preguntarán si queda arte, o alguna esperanza de que exista. Y si no lo hay, muchos sienten una pérdida genuina: una pérdida de un aspecto más profundo y permanente que la de perder las próximas elecciones o ser rechazado para obtener financiación. Recordamos que solía haber un arte de gran poder y belleza, creado por artesanos hábiles cuyo objetivo no era convencer, sino elevar. Estos artistas dieron sentido a nuestras vidas, no como negros, mujeres, homosexuales o personas sin hogar, sino como seres humanos. El David de Miguel Ángel , por ejemplo, no es un arte exclusivo para judíos, ni para hombres blancos, ni para aficionados a la talla de mármol; es gran arte porque David, con su gran poder y belleza, es humano; yo soy humano; me da esperanza. Pero ¿qué artistas aspiran a eso todavía?

Seguimos menospreciando la belleza, la artesanía, la gracia, la sutileza, la profundidad y cualquier otra virtud artística por considerarlas antidemocráticas, desigualitarias o regresivas (sin explicar por qué es antidemocrático esperar que todos seamos igualmente elegantes en lugar de igualmente desgarbados), y luego nos quejamos de que no tenemos nada extraordinario con qué decorar nuestro Centro de Convenciones. Y nos quejamos de que no pudimos encontrar arquitectos capaces de construir un Centro con ninguna de estas cualidades. Lo que se ha perdido en toda esta disputa sobre el arte moderno, del tipo que prefiere el Consejo de las Artes de Austin, es que el arte real, del que hablo, no sería menos controvertido, sino más. Dado el clima político actual, el mismísimo Miguel Ángel podría ofrecernos una obra que atrajera a todos los turistas del mundo, y tendríamos que rechazarla porque una viejecita se ofendió por su desnudez, o uno o dos predicadores temieron que pudiera ser homoerótica, o porque nuestras hijas adolescentes podrían pasar demasiado tiempo en el Centro de Convenciones.

No, este argumento va mucho más allá de la política local. Seguiré apoyando a Max y Brigid, y oponiéndome a Bruce y Ronnie [negocios uber alles].], independientemente de su voto sobre este tema. Pero todos debemos preguntarnos qué queremos del arte. Si aún necesitamos arte con las cualidades que he enumerado, y creo que sí, debemos dejar de tratar a quienes las poseen y pueden compartirlas como elitistas, contradiciendo nuestro "derecho" a la igualdad. Debemos dejar de juzgar cada acción por su resultado material, forzando a nuestros talentos artísticos a la publicidad, la infografía o la decoración de interiores, donde existe un mercado fácil. Si queremos gran arte, debemos hacerle un lugar. En una sociedad donde cada decisión se basa en la conveniencia política y económica, donde todos estamos reprimidos sexual y espiritualmente, donde todo conocimiento se considera pedantería y toda alta seriedad, pretensión, donde afirmar lo obvio es controvertido y creer en la verdad es presuntuoso (y, francamente, anticuado), no hay lugar para el arte. A menos que despertemos de nuestro estupor histórico, me temo que la vanguardia tiene razón al menos en esto: es probable que la cura sea tan repulsiva como la enfermedad, y el nuevo "realismo" aprobado públicamente que probablemente reemplace los experimentos modernos consistirá en una alegoría que represente la unión de los negocios y el gobierno, un retrato de William Cunningham y Jim Bob Moffett dándose la mano, o un mural de Phil Gramm cruzando el Rubicón.

Austin American-Statesman 1998.

Contra Christopher Schade's Art Review , 1 de noviembre: La transparencia psicológica de este intento de crítica debería ser una vergüenza para su autor, familiarizado como sin duda está con todos los términos de análisis y deconstrucción del posmodernismo y sus apéndices pseudoliterarios. Su aplicación de criterios vanguardistas a obras reconocidamente decorativas plantea la cuestión de su agenda, y su elección de ejemplos y citas solo lo hace parecer ridículo. Su cita sobre "luchar contra el propio gusto" es de un comisario. No soy un artista, claro está, sino un administrador de arte. Es comprensible que un crítico escuche a un curador, pero no que lo haga un artista, a menos que intente complacer a los demás. El absurdo de que un curador dé una conferencia a artistas habría sido evidente para Cézanne o Monet, pero al parecer se les escapa a las almas valientes que viajan del Soho al MOMA para ver qué clase de valentía les corresponde esta semana. ¿De verdad alguien cree que Cézanne, Monet o Picasso dedicaron un segundo a luchar contra su propio gusto? Este es solo otro ejemplo de propaganda crítica destinada a consolidar la capacidad de un círculo íntimo neoyorquino para definir el arte y, por ende, el mercado del arte.

La mayoría de las grandes obras de arte de la historia no "provocan ideas o cuestiones sobre el arte". No fue su intención. Nadie, desde Miguel Ángel hasta Van Gogh, habría encontrado más interesante analizar arte que crearlo, porque podían crearlo. Miguel Ángel tampoco se avergonzó de "citar" a los griegos, ni Van Gogh de tomar prestada la técnica donde la pudiera encontrar, de Millet, Mauve o Bernard.

Ninguno de los pintores reseñados por el Sr. Schade rivaliza con los más grandes de la historia, pero desconocía que afirmaran hacerlo. Este artículo dice mucho más sobre la peculiar catexis del autor, por muy desviada que fuera, que lo ha llevado ( con sturm und schadenfreude ) al entorno posmoderno, donde los pintores no pueden pintar y los escritores, aparentemente, no pueden escribir.

Austin American-Statesman, 1998.

Christopher Schade inicia su reseña de Re-Aligning Visions , la exposición actual en el Huntington, proclamándola "la más cautivadora... desde la colección Vogel... hace un mes". ¡Guau, Chris! ¿De verdad ha pasado tanto tiempo? ¿Y cómo superamos el vacío inspirador de esas tres semanas de descanso?

​​Una vez más, debo objetar. La comparación con la exposición de Vogel es acertada, pero no por su ambición ni su entusiasmo. Posiblemente, la única forma de contrarrestar la nulidad de la exposición de Vogel sea con las profundidades criosféricas de las Visiones superenfriadas. Un "dibujo" en chinchetas; la palabra Rodin estampada en una pelusa de algodón dentro de una caja; y por todas partes, garabatos enmarcados gratuitamente. En definitiva, un desperdicio criminal de material de arte y un insulto a la naturaleza arbórea. Supongo que podría haber leído las sinopsis para entender qué significaba todo esto, pero no hay nada en el mundo de las posibilidades que pueda hacer que una pelusa de algodón estampada me resulte interesante. He visto suficientes de estas minidisculpas como para escribirlas yo mismo. El algodón simboliza la evanescencia; la caja, el cierre; El nombre del artista, la efímera importancia del culto a la persona o lo que sea... Bien. Pero concédanme la efímera importancia de un verdadero creador como Rodin: pueden quedarse con la envidia de estos homúnculos y homúnculas si eso es lo que les atrae. En su búsqueda de libertad artística y alternativas creativas, estos artistas solo han descubierto su propia pequeñez.

Solo un dibujo en Visions merecía ese nombre: el dibujo al carboncillo de Luis Caballero, de casi dos metros de altura, en el segundo piso. Esta obra maestra de la colección permanente del HRC es una de las pocas obras de arte de la Universidad. Su presencia en Visions...Sin embargo, es un misterio. No hay nada alternativo en ello, a menos que haya algo inherentemente alternativo en ser bogotano. La línea de Caballero es poderosamente expresiva, con la curva y la mella de la grandeza de un Rubens y el patetismo de una Käthe Kollwitz. Pero el virtuosismo y la emoción de esta obra no tienen nada que ver con el guiño y la mueca, el desliz y la indiferencia del resto de la exposición. Por ejemplo, este dibujo cuelga justo enfrente de un gigantesco tríptico, de quién sabe quién, "citando" (léase "blasfemando") a media docena de grandes artistas, incluyendo a Ingres, Goya y Picasso. Con un dibujo subuniversitario y muchos metros cúbicos de esfuerzo, este artista se burla de una tradición que aparentemente no tiene capacidad de trascender. ¿Por qué nos importa? O, mejor dicho, ¿por qué le importa al grupo de curadores y otros académicos que organizaron esta exposición? ¿Por qué seguimos enfrentándonos a catálogos de 200 páginas, semanas de conferencias y otras palmaditas en la espalda, y un patrocinio corporativo absurdo, todo en apoyo de una muestra de exigüidad insignificante?

Tengo un mensaje para todos ustedes de la Musa, y es este: El arte no necesita curaduría, análisis, crítica ni patrocinio corporativo. Sufre por su buena voluntad.

Cartas al Editor, Smithsonian, 2002

No es necesario buscar evidencia histórica a favor o en contra de las teorías de David Hockney. Simplemente, si un artista vivo pudiera hacer lo que Hockney cree que no se puede hacer (dibujar con rapidez, precisión y fluidez sin la ayuda de dispositivos; ampliar o reducir a voluntad; transferir tres dimensiones a dos con una comprensión innata de la perspectiva), su teoría podría ser desechada. Si yo puedo hacerlo, ¿por qué no Caravaggio o Velázquez? Reto al Sr. Hockney a un sorteo público, con un camarógrafo del Smithsonian para grabarlo para la posteridad. Si a sus lectores les interesa de verdad el papel que desempeñó el talento en el pasado, y no solo los inútiles intentos del Sr. Hockney por alcanzar el nivel de los Viejos Maestros, esto sería un buen motivo para vender entradas.

Pero tengo mis dudas. Cualquiera que considerara la cuestión seriamente por un momento vería que los artistas del Modernismo fueron elegidos porque no sabían dibujar. El Art Moderne ya no se trata de eso. Se trata de teoría, política y, sobre todo, de promoción. Se supone que si alguien con la habilidad de Vandyck o Sargent existiera ahora, se sabría de ello. Pero uno sabe lo que los comisarios y críticos quieren que se sepa. Un talento así no es propiamente inclusivo, propiamente democrático: un arte trascendente, un arte de elevación, solo hace que el hombre moderno se sienta mal, como deja claro el Sr. Hockney. Siempre me parece divertido, incluso en mi pobreza, que a los ricos y famosos les quite el sueño la verdad. Pero no puedo permitir que el señor Hockney exprese su desmentido a expensas de mis "grandes antepasados" sin decir nada al respecto.

Sigo asombrado de que editores prominentes no puedan ver la transparencia psicológica de la desintegración pública del Sr. Hockney. Se supone que es un artista. Un artista crea cosas de belleza, profundidad, sutileza o poder. Como no ha podido hacer esto en su larga carrera, finalmente se ha rebajado al nivel de atacar las creaciones de otros. Se ha unido a Duchamp, quien no soportaba que el público siguiera más interesado en los Viejos Maestros que en él; así que se propuso rebajarlos a su nivel. Destruye el pasado. Entonces deben mirar tu obra, por patética que sea. Es absolutamente infantil, y sin embargo, parece haber un amplio grupo de personas que sienten tal envidia, y al parecer incluye a muchas figuras importantes del arte y la industria editorial.

Te sugiero que revises el libro que el Sr. Hockney nos ha ofrecido sobre este tema, a un alto costo para algún editor ingenuo. Los propios ejemplos del Sr. Hockney de lo que fue capaz de crear, a pesar de todas estas trampas, son ridículos. Mis talentosos amigos y yo nos reímos mucho, sobre todo en la página donde se dejó engañar lo suficiente como para poner dibujos de antiguos maestros en una página y sus dibujos (hechos con lentes) en la página siguiente.

En el encabezado, afirmas que el Sr. Hockney ha hecho un descubrimiento "audaz". No veo ninguna audacia en atacar a los antepasados ​​y superiores. De hecho, es tan pusilánime que resulta casi increíble. Si este resentimiento no hubiera sido ya un elemento básico de la agenda vanguardista desde el principio, no creo que nadie lo creyera . Tal como están las cosas, el público artístico se ha acostumbrado a su propia postura indolente.

No tienes que aceptar mis afirmaciones de talento. Simplemente asiste a cualquier clase de arte avanzado, en cualquier gran ciudad. Verás artistas dibujando a partir de modelos vivos, sin ayuda de ningún tipo, haciendo cosas mucho más allá de lo que el Sr. Hockney es capaz de lograr con lentes, fotos o incluso proyección. El gran arte requiere mucho más que esta extrema coordinación mano-ojo, pero esta habilidad perdura incluso ahora, y sigue siendo nuestra única esperanza para el gran arte visual en el futuro.

De hecho, les ruego que asistan a una clase así y escriban un artículo sobre las habilidades que se muestran allí. Un artículo así sería mucho más útil para los jóvenes artistas y para el público, y a la vez más interesante. La historia del arte ya está en su punto más bajo: no puede beneficiarse de una "deconstrucción" más egoísta. Lo que se requiere es una reconstrucción.

Esperaba esta actitud de envidia posmoderna de ARTnews , e incluso de The New Yorker (ambos ya han informado sobre la desevolución del Sr. Hockney hacia la crítica). Pero me decepcionó ver que el Smithsonian se subiera al carro. Bájense. No es un lugar donde quieran estar, históricamente.

Salon, 2001:

A mí tampoco me gusta George Will. Voté por los Verdes. Pero tu artículo fue al menos tan poco impresionante como el suyo. Todos tus comentarios sarcásticos y ad hominem olían a periodismo de instituto y al trato amistoso de los PoMo (o como se llame ahora). George Will está equivocado porque está equivocado, no porque no sea lo suficientemente guay como para salir con tus amigos.

Tu comprensión del arte no es más profunda que la suya. En un momento dices que la mayoría de los académicos no están de acuerdo con Will. ¿A quién le importa lo que piensen los académicos? El arte es para los artistas. Los académicos, los críticos y los periodistas simplemente no saben de qué hablan. Si lo supieran, serían artistas. Ese es el problema central del arte contemporáneo. Los artistas han sido inundados de "ayuda" externa ―de tu parte y de la de Will― hasta el punto de que no pueden ni oírse a sí mismos. Todos están impresionando a los farsantes de un club u otro, y no pueden tomarse el tiempo para aprender un oficio o desarrollar una idea.

Más adelante, comentas que un gobierno no podría promover la excelencia y seguir llamándose democracia. No sé qué significa esto. ¿Por qué no? ¿Acaso una persona democrática simplemente deja de hacer distinciones? No hay conexión entre la democracia y el relativismo, aunque tú pareces creer que sí. ¿Crees que Goya, Van Gogh, Picasso o quien te guste no tenían idea de la excelencia en el arte? En tu afán por promocionarte a ti mismo y a tus amigos, estás ignorando toda la historia del arte, por no decir del mundo. Will se equivoca al pensar que el dinero y las instituciones, por sí solos, pueden promover el arte, la excelencia o cualquier otra cosa. Y se equivoca al pensar que al Partido Republicano le importa un comino el arte. Pero acierta en sus críticas al Partido Republicano: su pereza, su autocomplacencia, su baja ambición, su brutalidad gratuita, su ingratitud hacia sus antepasados, su insistencia en la centralidad de la política. El arte es un regalo del individuo al grupo. Debería ser producto del ello, no del superyó. Como tal, es intrínsecamente apolítico. El arte solo puede contaminarse por la política y las expectativas de grupo. Y se contamina con la misma rapidez (y, en la actualidad, con mucha mayor frecuencia) desde la izquierda como desde la derecha.

Sculpture Review, 1994.

Discrepo firmemente con las suposiciones y conclusiones de su opinión sobre "Reflexiones de la Representación" en la edición de primavera. Al intentar incluir a Lucian Freud entre los verdaderos artistas a pesar de su "disonancia", usted, de hecho, "recae en una falta de postura relativista". Freud, y la actitud moderna que representa, va mucho más allá de la disonancia, o incluso de la miseria y la fealdad: su cobardía y falsedad lo descalifican de cualquier pretensión de grandeza y, en mi opinión, de ser considerado un artista.

Mencionas la comparación que tu amigo hace entre Freud y Rembrandt, pero esta comparación es errónea. Si bien Rembrandt merece crédito por pintar la verdad "sin una supuesta capa de belleza", no hay nada honesto en la pintura de figuras de Freud, que representa la carne, entre otras cosas, con una capa enfermiza de asco y desesperanza; una desesperanza que no representa ninguna verdad compleja en sus personajes ni en la vida en general, sino solo su patética visión de sí misma. Esta visión puede ser sincera (o no), pero no creo que deba ser de interés para ninguna persona sana ni interesada en la salud.

Afirmas que Freud "sobrevive y prospera". Pero cualquiera que haya leído sobre la vida de Freud sabe que no ha prosperado. Él sería el primero en admitirlo. Los artistas modernos no "prosperan". Bernini prosperó. Rodin prosperó. Lo único que ha prosperado en la vida de Freud es su cuenta bancaria, y esto solo porque muchos en las altas esferas de la crítica de arte se identifican fácilmente con su patología.

No creo más que tú que el arte deba limitarse a temas de "armonía", ni que deba ser bello o reconfortante. El arte más elevado es un arte complejo que reconoce e intenta comprender la vida tal como es, positiva y negativamente. Miguel Ángel, Rembrandt, Goya y Van Gogh son ejemplos de esta actitud compleja que lucha por afirmar la vida a pesar de su miseria y confusión, su dolor y su fealdad. El sol y las flores, los campesinos y las prostitutas de Van Gogh no son en absoluto un "ideal de lo bello", no son en absoluto una antítesis de Freud en el sentido que tú propones. Los temas de Van Gogh contienen grandes dosis de dolor, miseria y miseria. Pero esto no es todo lo que contienen: el dolor es absorbido (podría decir consumido), pero nunca extirpado, por una creencia en el arte y en la vida, que es finalmente redentora, confirmando la importancia, si no la belleza, de la existencia. Esta lucha por la redención define el arte de Van Gogh, a pesar de su suicidio.

Freud es la antítesis de Van Gogh y de todos los grandes artistas, no porque exprese "dolor y miseria" donde ellos no lo hacen, sino porque carece de complejidad y solo expresa el dolor y la miseria. Y al hacerlo, falsifica su arte con la misma seguridad que lo hicieron Sargent, Canova o cualquier otro marginado de la crítica moderna. Freud es un nihilista arraigado en la teoría existencial contemporánea y no encuentra sentido a nada; su miseria y descontento se convierten en fines artísticos en sí mismos. Es uno de los "despreciadores de la vida" de Nietzsche, y como tal no merece ni el apoyo que él y los demás modernistas han recibido de los "nietzscheanos" contemporáneos ni el apoyo que recibe de la actual "comunidad de artistas" (de la cual, a decir verdad, Muchos realistas destacados han sido excluidos en favor de otros como Freud).

Preguntas: "¿Cuál es, de hecho, el propósito de la representación?", pero no respondes, dejando como respuesta la negación del relativismo y los bajos estándares. Pero esta falta de respuesta es relativismo, esta aceptación de todos los valores es relativismo. Si no puedes oponerte por principios al nihilismo de Freud y los modernos, ¿qué puedes defender? Y cuando incluso el portavoz de uno de los últimos enclaves del arte tradicional —un arte atacado con saña y calumniado sin escrúpulos durante todo un siglo por quienes promovían a Freud y sus precursores— sigue repitiendo esta política inclusiva y cobarde, incluso mientras la historia del arte se derrumba a sus pies, vemos por qué el arte representativo ha degenerado en un estado tan lamentable, y por qué una revista que profesa respeto por la historia no tiene casi nada importante que aportar a esa historia.

Sculpture Review.

En su artículo de otoño de 2000 sobre las Palabras de los Artistas , Laura Zeigler y Elizabeth MacQueen hacen comentarios extremadamente conflictivos sobre los hombres en general. La Sra. Zeigler afirma que «las mujeres son fuertes y los hombres necesitan toda la ayuda posible». La Sra. MacQueen es aún más amarga. Habla del «creciente desequilibrio entre lo masculino destructivo y lo femenino protector», afirmando que ya no necesita la «faladación». Luego afirma: «Soy una persona dotada de trascendencia».

Al parecer, no la ha dotado de humildad, ni de la capacidad de escribir o pensar con claridad. Tanto ella como su editor deberían saber que «epiceno» es un adjetivo, no un sustantivo, y que su definición aún se puede encontrar en el diccionario. El contexto exige la palabra «epicentro», aunque esto también sería impreciso y exclamativo. Cabe preguntarse también de dónde sacó «fuerza escabrosa» y por qué no puede usarla correctamente. La frase en la que se inserta es una mezcla de metáforas contradictorias y sentimentalismo exagerado. Y el tono de su cita en su conjunto hace dudar de la infalible cualidad protectora de lo femenino.

En nombre de la justicia y la igualdad, espero que publiques un número dedicado solo a los hombres, y les permitas hacer declaraciones sobre cuán fuertes y trascendentes son, y cuán indefensas, patéticas y malvadas son las mujeres.

USNews, 2001

A pesar de su afirmación de que se supone que las niñas son mejores escritoras que los niños, Boys, the Weaker Sex? de Anna Mulrine es de hecho un escrito muy pobre. También es un ejemplo muy pobre de ciencia; pero la Sra. Mulrine reconoce la deficiencia de las niñas en ese aspecto, así que no debemos exigirle estándares muy altos en ese ámbito, supongo.

Es un escrito pobre no por razones gramaticales o sintácticas, sino por razones lógicas y morales. Sus premisas no conducen a sus conclusiones. Y sus suposiciones morales no declaradas son inconsistentes.

De manera muy superficial, la Sra. Mulrine menciona varios estudios que muestran que los niños tienen problemas en la escuela. Pero ya sabemos adónde quiere llegar, ya que sus párrafos iniciales son todos ejemplos anecdóticos de niñas exitosas. Y lo sabíamos incluso antes. El artículo se explica por su título: está diseñado para ofrecer una respuesta afirmativa, una que promoverá una agenda transparente. Esto nos lleva a la clara posibilidad de que el artículo se haya escrito en torno al título, en lugar de añadirlo al final.

Pero ni siquiera la investigación sesgada que cita respalda su conclusión de que los niños son en absoluto más débiles. Lo que más me impactó fue que usara estudios que demostraban que los niños son más emocionales (se ven más afectados por los estímulos) que las niñas para respaldar su afirmación de que son más débiles. Esto da un vuelco al argumento histórico. Las mujeres (y los hombres) han argumentado durante siglos que las cualidades emocionales de las mujeres eran su punto fuerte. Eran más receptivos a los sentimientos de los demás, más propensos al altruismo, más cariñosos y dedicados, más pacíficos (por razones instintivas, no sociales, según nos decían). Por eso se suponía que la igualdad era un gran beneficio para la sociedad.

Si nuevas investigaciones demuestran que los chicos también son más apasionados, no creo que sea un motivo de orgullo para las mujeres. Se reconoce nuestra fuerza física, al igual que nuestra capacidad de razonamiento. Si además tenemos emociones más fuertes, esto explica por qué todos los grandes artistas han sido hombres. Somos mejores en la construcción tridimensional y la destreza manual, y ahora somos más apasionados (nos dice la Sra. Mulrine): esa es la definición de arte.

La Sra. Mulrine nunca considera la posibilidad de que a los chicos les vaya mal en las instituciones estadounidenses simplemente porque estas instituciones están diseñadas para animar a las chicas en todo momento y desalentar a los chicos. Su artículo, y la publicación de USNews, es solo un ejemplo más de ello. ¿Alguien se imagina a un editor de revista permitiendo que se publique un artículo de un hombre con el título « Chicas, el sexo débil» ? No, eso sería "perjudicial". Sería la causa de un millón de diatribas feministas. ¿Cuántas diatribas masculinistas cree que provocará el artículo de la Sra. Mulrine? O, más concretamente, ¿cuántas cree que se publicarán o se tomarán en serio? Ninguna. No recuerdo la última vez que a un hombre —no de extrema derecha— se le permitió pronunciar una sola frase en las "guerras de género". Posiblemente Norman Mailer a finales de los 70. Desde entonces, las únicas que han tenido algo que decir a nuestro favor han sido las mujeres: Paglia, Hoff Summers, Roiphe. ¿Es esto igualdad de condiciones?

Como no se publica nada, muchas mujeres dan por sentado que todos los hombres de izquierdas están de acuerdo con ellas. Pero no soy una imitómana; voté por Nader. Leo a Chomsky y a Wendell Berry. Reconozco la buena escritura y el buen pensamiento cuando los veo. El de la Sra. Mulrine no lo es.

Ella cita mejores calificaciones en inglés y mayores índices en la sociedad de honor como prueba de que las chicas son más fuertes. Pero recuerdo que en mi instituto la mitad de la clase de último año estaba en la sociedad de honor debido a la inflación de calificaciones. Tampoco se podría decir que mi clase de inglés de honores fuera una gran medida de inteligencia o fortaleza. Quizás era una medida de cuánto trabajo pesado y análisis crítico absurdo se podía soportar. En cuanto a las puntuaciones del PSAT y el SAT y el éxito en la universidad, se puede argumentar lo mismo. El PSAT cuenta el examen verbal dos veces y las matemáticas una. El sesgo aquí es evidente, aunque nunca lo he visto mencionado en ninguna parte. Y todos los exámenes estandarizados han cambiado desde que estaba en el instituto: se han añadido secciones de comprensión lectora y se han suavizado las de matemáticas para ayudar a las chicas. Si transforman la sociedad lo suficiente, pueden creer lo que quieran sobre sí mismas. Pero yo pensaba que esa era la crítica femenina al patriarcado.

En la televisión, los hombres son retratados como tontos e imbéciles, mientras que las mujeres son diosas todopoderosas (Xena) o ninjas sexys (Dark Angel). Las mujeres forman bloques y votan en contra de los hombres (Supervivientes, El Eslabón Más Débil, etc.), disfrutando del "poder femenino". Si los hombres hicieran lo mismo, serían considerados cretinos.

Quizás lo peor de todo es que se ha demostrado que muchos de quienes promueven la agenda de la "mujer superior" —incluyendo a muchos de los nombres más conocidos en el campo de los estudios de la mujer— han manipulado o falsificado datos. Christina Hoff Summers demostró que Sadker, una de las personas a las que la Sra. Mulrine cita por su nombre, era una de las menos escrupulosas en este ámbito. Al parecer, para estos "científicos, los medios justifican los fines". El fin del feminismo solía ser la igualdad. Pero creo que el título de este artículo demuestra que la igualdad ya no basta. A la nueva feminista no le interesa la justicia. Le interesa el poder puro y duro, a cualquier precio. Le recomiendo que recalcule el precio... si sus habilidades matemáticas lo permiten.

Artista estadounidense, marzo de 2003.

Me decepcionó, pero no me sorprendió realmente, ver que el editor de su página técnica le dio una calificación sin reservas.La opinión de que difuminar con los dedos era un método inferior para el pastel. No me sorprendió, ya que este ha sido el dogma durante años. Sin embargo, debo discrepar categóricamente con ella y amonestarla por su estrechez de miras. Afirmar que existe una "técnica ideal" en cualquier medio es una tontería. Pero afirmar, sin reservas ni la menor evasiva, que la técnica predominante del pastel en la historia ha sido superada es absurdo. La mayoría de los grandes pastelistas de la historia han usado los dedos para difuminar, incluyendo, por supuesto, a Degas. La preferencia contemporánea por dibujos limpios y ordenados con color puro no es más que un prejuicio, un prejuicio que a menudo se basa (en mi experiencia) en la timidez y el conformismo. Los pastelistas modernos, a juzgar por los estándares del pasado, parecerían un grupo de tacaños, temerosos de tocar la página por temor a mancharse a sí mismos o a su técnica de alguna manera. Puedo verlos ( los he visto) sentados en sus sillas envueltas en plástico, vestidos con sus batas con protección Scotchguard, con guantes de plástico, mascarillas quirúrgicas y respiradores, temerosos de que una astilla de tiza se les desprendiera y se les alojara en el ojo, y pensando: "¿Dónde están mis gafas de seguridad?".

Lo cierto es que toda esta meticulosidad ha dado lugar a una sobreabundancia de dibujos antisépticos, memorables no por un uso limpio del color, sino por una flagrante falta de pasión, personalidad, sutileza y matices. Las páginas de American Artist y otras revistas realistas están llenas de ellos, al igual que las diversas exposiciones por todo el país, juzgadas por el mismo tipo de personas. Es una pena que este ciclo parezca no poder romperse, ya que el papel de experto y maestro sigue recayendo en los mismos entendidos; y escuchamos las mismas opiniones limitadas y falsas una y otra vez. Y vemos el mismo trabajo amateur, exhibido como brillante, una y otra vez.

New York Times, 12 de abril de 2003

En su artículo sobre Remington, las suposiciones tácitas de Holland Cotter resultan bastante impactantes, una vez que se desentierran. Asume que cualquiera que piense que la sociedad moderna va por mal camino es una persona vil. Cualquiera que sienta nostalgia es un sentimentalista craso. Enumerar los famosos contraejemplos llevaría un año. Más allá de eso, asume que un artista debe tener una personalidad cautivadora y que debe coincidir con todos los "progresistas" contemporáneos. No se me ocurre ningún gran artista que lo haya hecho. Por ejemplo, Van Gogh es universalmente amado ahora; es casi un santo. Pero tenía una personalidad terrible, según los estándares modernos, y no fue progresista ni siquiera en su época. Picasso, todavía abanderado de la vanguardia, era un misógino reaccionario, un matón, un fanfarrón y un descarado adulador de los ricos y famosos. No se me ocurre ningún gran artista que supere la prueba de Cotter. Pero la suposición más absurda de Cotter es que tenemos mejores obras modernas para exhibir en los grandes museos que los lienzos "cursis" de Remington. Remington no se compara favorablemente con Tiziano o incluso con Waterhouse, por razones artísticas. Pero, según los criterios declarados por el propio Holland, Remington sin duda tiene mayor espacio en las paredes que los ídolos de la vanguardia, cuyas obras y personalidades lo hacen parecer un dios.

Como toda crítica contemporánea, la de Holland resulta muy mordaz hasta que uno recuerda qué y a quién defiende. ¿Quizás la personalidad cautivadora y la profundidad insondable de un Schnabel, un Salle, un Hirst, un Kiefer, un Twombly o un Johns? ¿Qué tal Lucian Freud, Marcel Duchamp, Andy Warhol y Francis Bacon? ¡Eso sí que sería una cena encantadora, llena de alegría y amor fraternal, y un brindis por el futuro de la humanidad! ¡Y sus obras! Ah, un festín para la vista que no se puede obtener fuera de la verja del depósito municipal ni de las puertas metálicas de la morgue.

Y por último, uno recuerda de quién es la mano que escribe el artículo de Holland: un miembro de esa clase de personas con las personalidades menos atractivas, esa clase sin obras: el crítico.

Austin Chronicle, noviembre de 1996:

Sí, ese título «América es un artista» me impresionó incluso antes de leer el último artículo de Michael Ventura. Lo admito. Sabía que me iba a ser muy difícil convencer. Y cuando completó su opinión con una cita de Nietzsche, tropezando con el adjetivo de Nietzsche «demasiado humano» al invertirlo, supe que debía responder, y supe cómo formularla.

La más que evidente buena voluntad del Sr. Ventura, su disposición a hablar con el corazón y su gusto por los grandes temas lo han llevado muy lejos, y me impresionaron sus primeros tres o cuatro artículos para el Chronicle~articles, donde, por alguna razón, tanto su prosa como sus polémicas eran más disciplinadas. Debe ser difícil ser verdaderamente incisivo semana tras semana, pero el pensamiento descuidado de este último artículo no puede pasarse por alto como el trabajo de una noche. Es más que cosmético. Al escribir sobre Expediente X o Las Vegas, basta con ser entretenido. Pero si van a ordeñar mi vaca sagrada, mejor que sepan dónde están las ubres.

Para resumir la tesis central: Estados Unidos es el país más inventivo de la historia del mundo. Los artistas también son inventivos. Estados Unidos debe ser un artista. Algunos de nosotros, demasiado débiles para abrazar plenamente al artista interior, reaccionamos políticamente. Esto es comprensible, aunque "de mente estrecha". Eso es. Hermosamente reductivo. Claro y ágil. Con muchos ejemplos, referencias y nombres de personajes famosos. Y falso, falso, falso. Ventura no intenta diferenciar entre inventivo, original, creativo y artístico. Pasa del inventor al científico y al artista, borrando toda distinción. No discute la calidad de la creatividad o la inventiva implicadas en las distintas acciones. Y no menciona el valor de estas acciones. Su asombro, con los ojos desorbitados, ante la Novedad con N mayúscula, indiferenciada, es profundamente angustioso. Esperaba semejante fanfarronería absurda de los anunciantes y promotores del mundo, vendiéndonos nuestra patética identidad. Pero no aquí. Ventura necesita que se le pase la tinta, y recomiendo la prosa de Wendell Berry como tónico.

Sugiero que, en cuanto a cantidad, la América del siglo XX es la más inventiva por razones puramente estadísticas. Tenemos la mayor cantidad de gente con más tiempo libre. Pero esto no es motivo, en sí mismo, para felicitarse. Muy poco de lo que hacemos ahora es memorable. El avance científico desde la época de Newton es, en realidad, milagroso, pero esto no convierte a Estados Unidos ni a nadie más en un artista. Si definimos el arte de forma un poco más restringida, queda claro que la mayor parte del legado artístico estadounidense no reside en la creatividad ni en la construcción, sino en la deconstrucción. Ventura no menciona que la novela, el cuento, el poema, la pintura de caballete, la escultura exenta, el objeto artístico en general, han sido deconstruidos por nosotros. Tampoco señala que la mayoría de los artistas que nombra huyeron de Estados Unidos en busca de un entorno artístico, odiaron a Estados Unidos y ahora son tratados solo como artefactos. Poe y Eliot pueden haber inventado el cuento y el poema modernos, por ejemplo, pero el cuento y el poema contemporáneos son pequeñas bestias distantes, casi sin deudas. La música y el cine populares gozan de buena salud, y parte de su producción podría considerarse artística. Pero nadie podría acusar a estos medios de ser excesivamente autoritarios.

Hay gente brillante en este país y se están haciendo cosas maravillosas, pero en general, Estados Unidos no es, en absoluto, un artista. Es un negocio, donde parte de la producción creativa se comercializa como entretenimiento. Todo lo demás es obsoleto. Incluso en los márgenes, fuera de los mercados, Estados Unidos es un artista solo en la más generosa de las definiciones. Es un artista autocomplaciente, tosco, psicologista y presuntuoso. Nuestro carácter político superficial no es una reacción a nuestra profundidad artística. Son dos caras de una moneda unilateral. Inundados de información y análisis, nuestros hemisferios cerebrales izquierdos ahora tienen mil maneras de decir, de insinuar, nada, y descubren tres o cuatro más cada semana; mientras que nuestros "ellos", basados ​​únicamente en las noticias de la semana pasada y algunos vagos recuerdos casi freudianos de nuestro yo pretelevisivo, subsisten bulímicamente con el equivalente espiritual de Dexatrim y Coca-Cola Light.

Ventura podría haber abordado el estado degenerado de la creatividad estadounidense moderna, un estado que Nietzsche tuvo la bondad de predecirnos, un estado más aterrador que cualquier episodio de Expediente X o incluso Millenium, porque es cierto. Pero esto habría significado enfrentarse a la gente sumamente original que recibe sus halagos del Chronicle , y que sin duda no quiere oír hablar de ello.

Cartas al editor, Austin American-Statesman, noviembre de 1997:

Gracias a Michael Barnes por dar en el clavo con respecto al Museo de Arte de Austin [28 de noviembre]. Por supuesto, en mi opinión, podría haber sido un poco menos imparcial. Sé a qué se refería cuando dijo que era "defendible" seguir las tendencias del Soho —defendible políticamente, no artísticamente—, pero eso ya no sirve. El arte "como tendencia" nunca contó con el apoyo de ningún artista serio, y la época del glamoroso no artista, posando junto a su vasta colección, está llegando a su fin, incluso en Nueva York. El artista del futuro cercano no podrá escudarse en argumentos políticos y teóricos, aunque solo sea porque eso ya se ha hecho antes.

Así que no es una gran pérdida que el Museo no haya malgastado un montón de dinero público comprando arte "experimental" para una colección permanente. ¿Quién recuerda obras individuales de los últimos veinte años de exposiciones en Laguna Gloria? ¿Quién pagaría por volver a verlas? ¡Maldita sea! 

¿Acaso planeamos un nuevo museo porque queremos exposiciones itinerantes más grandes del mismo tipo? Puede que crezca, amigos, pero no mejora. Podemos pasar de pequeñas exposiciones con poca asistencia a grandes exposiciones con poca asistencia. Pero si no te gusta a cucharadas, no lo pidas por copa.

El problema son los aspirantes a grandes ciudades y los farsantes de la historia del arte que creen que construir grandes espacios modernos y seguir las tendencias es lo mismo que ser artístico. La dudosa selectividad de este tipo de bienhechor ya ha administrado todo el valor duradero del "arte" en Estados Unidos, y nada bueno puede surgir de un mayor mecenazgo como este. Sería maravilloso que el público se preocupara más por el arte, pero la realidad es que no lo hará hasta que vea el arte que le interesa. Son los artistas quienes deben resolver este dilema, después de que nos liberemos de toda la curaduría y el análisis. Una vez que lo hagamos, quizá necesitemos un museo.

Cartas al editor, Austin American-Statesman, diciembre de 1997 [inédito]

. ¡Qué bonito! Una respuesta [Jic Clubb, 19 de diciembre]. Esperaba algo un poco más incisivo que "dios mío", pero trabajo con lo que tengo. Irónico, ¿verdad, Sr. Clubb? Preferir el arte moderno pero pedir sutileza en la polémica. Es un mundo patas arriba, donde solo queremos que nos golpeen la cabeza con nuestro arte. Qué ingenioso, además, hacerse la víctima: ustedes, matones realistas, tienen todas sus galerías de Santa Fe y exposiciones de SAMI, solo déjennos nuestro pequeño museo. La vanguardia también tiene derechos. ¡Tra-la! Pero, por favor, el viaje a Dallas o Houston es aún más corto, donde pueden sorprenderse cuanto quieran.

Su argumento es un hysteron proteron perfecto : un museo contemporáneo exhibe obras experimentales, según usted, porque eso es lo que hace un museo contemporáneo. De igual manera, que los curadores sean tontos es algo que debo aceptar a priori . No lo dice, por supuesto, pero la razón por la que esto es un hecho es que la vanguardia es ahora el statu quo. Controlan la NEA, las universidades, los críticos, las revistas y los museos. Por supuesto que parezco quijotesco. No necesitan discutir conmigo, tienen las cifras. Puedes permitirte esa sonrisa indiferente porque has descartado con seguridad a todos los que tienen talento. Beuys declaró muerta la pintura de caballete; si ustedes, los demás, pueden acabar con todas las demás bellezas del mundo, su propio trabajo podría empezar a parecer interesante después de todo.

Cuando imaginas la alternativa al modernismo, Sr./s. Clubb, ves "picos morados" y otras tonterías por el estilo. Precisamente por eso no deberías pensar en arte en absoluto. El arte no es novedad ni decoración, e insinuar que debe ser una cosa u otra es ser una molestia. Tengo mejores cosas que hacer que espantar moscas.

Nietzsche una vez criticó a Wagner por afirmar que su música no era "simple música". Nietzsche dijo con razón: "Ningún músico diría eso". Del mismo modo, yo digo que el arte no necesita política, literatura, activismo, crítica ni teoría para diluirse. La pintura necesita pintores. La escultura necesita escultores. Todos los demás son una intrusión.Así que espero que no te ofendas cuando digo:¡Quítate de mi camino!

Austin American-Statesman, enero de 1998.

Respecto al artículo de Judy Jenson [sobre la elección de arte para el recién construido Centro de Convenciones, incluyendo arte encontrado coleccionado por personas sin hogar]: ¡Qué ignominia ser llamada "artista desconocida" por esa conocida Judy Jenson! Reprendido como un niño, un "estudiante de quinto grado", por cuestionar la autoridad de un "profesional del arte". ¿Acaso los artistas desconocidos, como los pequeños "profanos", no sabemos que este argumento no es para nosotros? Para nosotros debe ser "explicado claramente", tras lo cual la Sra. Jenson sin duda aclarará la amenaza nuclear coreana y el calentamiento global (desestimándolos como controversias inventadas). Y luego, leche y galletas.

Lo único que sonó cierto sobre su patrocinio fue la admisión de que "los panelistas deben soportar [énfasis mío] días estudiando propuestas". Buena elección de palabras. Por lo demás, omitió por completo la pregunta: ¿ qué es el arte? Afirmo que la definición de arte no son "buenas acciones", "ser bondadoso", "activismo social" ni "encontrar un objeto interesante". El arte es una habilidad extraordinaria unida a una gran emoción. La gente lo sabe, gente bondadosa que, sin embargo, no se muestra muy optimista ante la posibilidad de ser engañada.

Revista Harper's, mayo de 1998.

En su número de mayo, uno de sus artículos de portada se titulaba "Donde las mujeres son mujeres y también los hombres". Al principio me pareció refrescante ver a Fay Weldon desafiar la línea oficial, expresando su preocupación por lo que ella llama "terapia" y las consecuencias de la pérdida de masculinidad, tanto para hombres como para mujeres. Pero el tono general del artículo, y la forma en que Harper's lo presentó, menospreciaba a los hombres más que los defendía. Era ofensivo, supongo que a propósito, porque implicaba que los hombres son incapaces de defenderse: que, debido a su necesidad sexual, los hombres ahora están a merced de las mujeres, que pueden dar o recibir a voluntad. Esta "defensa" de los hombres hizo que las mujeres parecieran muy poderosas. La última frase del artículo decía: "Las mujeres ganan".

Lo más irritante es que los hombres son continuamente insultados en los medios sin posibilidad de respuesta. Se reparte mucho y no se recibe nada. Se sospecha que este artículo se hizo más publicable tanto por el hecho de que su autora es mujer como por ser inglesa: defiende y ataca, al menos explícitamente, a los hombres ingleses . Por lo tanto, se le da cierta distancia a todo el retoque, y todos los hombres "mujeres" en Estados Unidos podemos hacerlo pasar como una broma. Pero es evidente que los hombres no están representados en la cuestión de género en la prensa escrita, tanto en Inglaterra como aquí, no porque nos falte el coraje para escribir una respuesta,Pero la mayoría de las revistas no creen que sea el momento para opiniones masculinas sobre el tema. No es que no haya obras publicables, es que no hay...Obras publicadas , y esto claramente no es lo mismo.

O eso supongo. Weldon dijo que los hombres son demasiado pasivos y competitivos para responder a la "opresión" femenina, excepto los "fanáticos religiosos". Yo no soy un fanático religioso. Tampoco calificaría mis dificultades de los últimos cinco años, por impresionantes que sean, de "opresión". Pero me haré eco públicamente, bajo mi propio nombre, incluso bajo mi propia fotografía, para responder al ataque unilateral que ahora se hace pasar por una "guerra de género". No soy un Norman Mailer, con un gran nombre y un historial de batallas conocidas, ni un combatiente acérrimo de un programa de entrevistas, dispuesto a proferir insultos e intercambiar historias de terror. Simplemente soy una víctima: una que algunos podrían pasar por alto en el futuro. Un joven atractivo, culto y sensible, tan a la izquierda en la mayoría de los temas que casi resulta antiamericano; con, sin embargo, mi carácter intacto. Si Wendell Berry fuera una generación más joven y soltero, sentiría la necesidad de escribir algo como esta "Carta desde el Frente", me gusta pensar. He salido con más de 100 mujeres en los últimos cinco años, no porque me guste la variedad (de hecho, siempre he buscado sentar cabeza), sino porque me niego a hacerme el muerto. Las mujeres hermosas e inteligentes que me atraen han olvidado, entre la avalancha de consejos que han absorbido, que para impresionar a una posible pareja, deben ser amables . Y así me he visto obligado a seguir adelante; a intentarlo de nuevo. Una y otra vez. En este artículo, sugiero que incluso el acompañante masculino modelo con el que sueña el feminismo ha sido sacrificado a sus exigencias cada vez más autocomplacientes. La joven típica, tal como la promueven los medios de comunicación y todas nuestras instituciones, y tal como existe ahora, prácticamente, en los campus universitarios y las corporaciones de vanguardia de todo el país, es insalvable, incortejable e insoportable para cualquier hombre con algo de autoestima. Ignorar este hecho, porque ahora es desagradable, no nos beneficia a ninguno. Estas cosas se solucionarán con el tiempo, pero yo no puedo vivir mi vida sexual al final, ni ellos tampoco. Debemos vivir ahora. Es ridículo afirmar, como afirma Weldon sin rodeos, que «las mujeres pueden vivir sin hombres con mayor facilidad que los hombres sin mujeres». Tal afirmación es una jactancia vacía en una lucha de poder, un intento desesperado de negar la soledad, y nadie se lo cree. Ni yo ni las propias mujeres. Una relación no puede definirse completamente por ninguno de los dos. Ni, como históricamente, por el hombre. Ni, como ahora, por la mujer. Por lo tanto, es necesario que su «pareja igualitaria» dé su opinión.

El resto del artículo habla por sí solo, así que no me repetiré. Pero espero que estén de acuerdo en que ya es hora de declarar una tregua. No para capitular desde una posición de debilidad, sino para sugerir un alto al fuego, ya que las pérdidas son demasiado elevadas en ambos bandos. Puede que las mujeres hayan ganado. Pero Pirro, en un campo de cuerpos destrozados, también ganó.

El Editor, Harper's, 29 de mayo de 1999.

El problema con el contrapunto masculino en las guerras de género ha sido su necesidad autoimpuesta de brindar apoyo y no confrontación, a la vez que intenta defender un poco de territorio. Ningún hombre ha dicho nada sustancial desde que Mailer se rindió, a menos que se considere a Paglia como hombre. Las mujeres se han sentido libres de decir lo que quisieran, sin importar cuán mezquino o absurdo fuera, mientras que los hombres han intentado ser considerados. Su "debate" Ehrenreich/Tiger siguió exactamente estas líneas.

Tiger dice disparates intelectuales mientras Ehrenreich suelta disparates sobre que Playboy es una herramienta política de los hombres, o sobre que los hombres inventan guerras para parecer útiles. Puras tonterías. ¿Pero no encuentras a un hombre capaz de decir eso?

Ehrenreich y Tiger nunca se acercaron al tema central en toda esta farsa. El mayor deseo de un hombre heterosexual en la vida es tener sexo con una/una mujer. El mayor deseo de una mujer heterosexual es tener sexo con un/una hombre/una mujer. Cualquiera que no esté sumido en una neurosis lo sabe. Los únicos hombres que no lo admitirán son aquellos que saben que ser tan honestos es una mala política. Las únicas mujeres que no lo admitirán son aquellas que no logran que funcione en sus planes. Si a las mujeres no les interesa el sexo/los hombres, ¿por qué las revistas, libros, películas y programas de televisión que ven o leen están llenos de atractivo sexual? Si las mujeres intelectuales que están por encima de estas formas de entretenimiento no les interesa el sexo/los hombres, ¿por qué intentan convencernos de nada? Si no servimos para nada, entonces déjennos en paz con sus tonterías.

Ehrenreich dejó claro que le importa un bledo lo que les pasa a los hombres jóvenes: seguimos sin quitarnos de en medio con la suficiente rapidez. Pero ¿por qué Tiger no le preguntó sobre todas estas jóvenes a las que supuestamente representa? Puede que aún no haya una equidad del 100% en el salario promedio ni en el número de directores ejecutivos, pero las mujeres jóvenes ahora controlan su propia felicidad sexual como nunca antes. Nos lo dicen las propias mujeres (mayores). El lesbianismo está de moda. Las parejas múltiples. El celibato. El onanismo. ¿Por qué, entonces, no son felices? Los hombres no son felices porque no tienen nada. Esto es de conocimiento público. Pero si los hombres no tienen nada, entonces es lógico suponer que, en la misma cantidad, las mujeres no lo son. ¿Podrían ser infelices por la misma razón?

La demonización feminista de los hombres ha creado una generación de neuróticos que se sienten atraídos por ellos, pero no pueden justificar intelectualmente su amor. Así que se autodestruyen y cometen públicamente todo tipo de suttíes verbales, culpando a los hombres de su inercia y cavando agujeros cada vez más profundos. No es una forma de gracia continuar tolerando esta inmolación. Los hombres buenos no lo hacen. Las mujeres siempre amenazan con usar el sexo como arma. Siempre me ha parecido esto desagradablemente maquiavélico. Pero los hombres pueden negarse, y de hecho se niegan, a tener sexo con mujeres que no pueden ser razonables y consideradas: no como un arma, sino porque no quieren.

Por mucho que deteste la deconstrucción, este debate simplemente pide ser analizado: su único interés para cualquier persona sana es como un síntoma patológico de todos los involucrados. La elección de Tiger por parte de Ehrenreich fue instructiva: ningún hombre de verdad dejaría que su nombre figurara bajo el título "¿Para qué sirven los hombres?". Tampoco se acobardaría ante la cita de Steinem sobre la "bicicleta". Él decía: "Claro que es ofensivo. No finjan que no fue su intención. Viejas malvadas, nunca más volverán a acostarse con un hombre con el que valga la pena acostarse hasta que dejen de tonterías". ¿Y por qué demonios sigue Lapham permitiendo que artículos con títulos como "¿Por qué los ingleses son mujeres?" y "¿Para qué sirven los hombres?" se publiquen? O es impotente o cree que su última opción es la capitulación. Es hora de detener la pusificación del periodismo moderno.

Leslie Stahl, CBS News, 2002.

En su artículo sobre el sesgo de género femenino, el Dr. Michael Thompson pregunta: "¿Dónde están los hombres que deberían defender a los niños? ¿Por qué no hay protestas de los hombres?". O algo por el estilo. La respuesta simple, que no se aborda en este artículo, es que los hombres están alzando la voz, pero los medios no los escuchan. He visto varios artículos como este, donde se informa sobre la "crisis" en general; Pero incluso aquí no hay hombres que defiendan los derechos de los hombres. Sigue siendo inaceptable en el debate actual. No hemos llegado al punto de que se acepte que los hombres tengan voz y voto en igualdad de condiciones con las mujeres. Seguimos en un contexto predominantemente feminista en lo que respecta a los derechos y la defensa de los derechos, y no se cree realmente que los hombres tengan nada de qué quejarse, salvo en la forma anómala en que este artículo lo aborda. Incluso aquí, la Dra. Thompson repite retórica feminista: que la culpa es de los padres, que los hombres siguen ganando más dinero, etc. El objetivo principal de estos nuevos artículos sobre la brecha de género, me parece, es publicar una sutil ovación. Regodeo que se hace pasar por lástima. Esos pobres hombres, ahora necesitan ayuda. (¡Viva!)

¿Cómo sé que los hombres están hablando claro? Lo sé porque soy uno de los hombres que habla claro, y no se publica. He visto el lado masculino del argumento tomado por Camille Paglia, Katie Roiphe, Christina Hoff Sommers y algunos otros, y estoy agradecida por sus esfuerzos. Pero me parece asombroso que ninguna revista haya publicado una contracrítica a algunos de los aspectos específicos del neofeminismo por parte de un hombre. No creo haber visto ni una sola carta al editor publicada en ninguna revista, relacionada con el feminismo y por un hombre, desde la época de Norman Mailer (en los años 80). ¿Debemos creer que ningún hombre de izquierdas ha estado en desacuerdo con la gran cantidad de artículos ofensivos publicados por The Nation, Harper's y muchas otras revistas y periódicos? Solo como ejemplo, véase Why all Englishmen are Women ( Harper's , 1998); What are Men Good For? (Barbara Ehrenreich debatiendo con Lionel Tiger, Harper's 1999); Boys, the Weaker Sex? ( USNews , 2001); Why There Are No Good Men Left ( Atlantic , 2002). Yo mismo he escrito cartas al editor sobre estos artículos y muchos otros, y he enviado artículos sobre estos temas a muchas revistas, solo para encontrarme con silencio o desprecio. Sin excepción, me tratan como si fuera un neandertal neonazi, proveniente de National Review o Heritage Foundation , cuando en realidad voté por Nader y tengo como héroes a personas como Chomsky y Wendell Berry. Si me rechazan porque no soy una persona famosa o un doctorado en el campo, eso no explica por qué no se publica a ninguna persona famosa o doctorado en el campo.

No creo ni por un instante, como aparentemente hace la Dra. Thompson, que los hombres se hayan resignado a aceptar el nuevo mundo de la superioridad femenina. O que no les importen ni ellos mismos ni sus hijos. O que estén demasiado ocupados ganando dinero y practicando deportes como para ver lo que está por venir. O que hayan ignorado las recientes escaramuzas porque se sienten muy seguros en sus posiciones. La postura masculina simplemente no se publica ni se informa al respecto. No quiero ser exclamativa y llamarlo censura. Es discreción editorial, pero una discreción editorial que cada vez alcanza más el nivel de supresión. Para promover la equidad, a los hombres no se les ha concedido el mismo tiempo en el debate sobre políticas de género. Hace treinta años esto podría haber tenido sentido. Ahora está llegando al punto del absurdo, donde un sexo determina las políticas en todo un campo. No puede funcionar para ninguno de los dos sexos. No puede funcionar para las mujeres porque cada vez tienen menos objetividad sobre sí mismas. Sin crítica, se vuelven completamente autocomplacientes y poco realistas, como ha señalado Camille Paglia. Las mujeres no son más autocorregibles ni autoperfeccionables que los hombres.

Las guerras de género han seguido su curso por razones políticas: las mujeres les han dedicado más tiempo y han sido mucho menos escrupulosas. Y las horas están dando sus frutos, a corto plazo. Pero los sexos no pueden separarse. Lo que afecta a uno afecta al otro. El feminismo temprano predicó esto; el feminismo tardío intenta ignorarlo. El feminismo tardío intenta ganar puntos a expensas de los hombres. No funcionará. Por dos razones. Una, una masculinidad debilitada finalmente no les interesa a las mujeres, por sí mismas. Dos, los hombres no son débiles. Un impulso más allá de la justicia básica no será sostenible. Puedes llamarlo una reacción violenta si quieres, pero es estrictamente defensa propia.

Atlantic Monthly, 18 de mayo de 2000

Otro gran artículo de portada [Unabomber/Harvard]. Atlantic Monthly es la última revista de interés general que queda en pie. The New Yorker , sobrevalorado desde los 70, finalmente implosionó. Lapham está en la senectud en Harper's (o ha dejado que Ehrenreich tome el control, no lo sé), pero ustedes siguen mejorando.

Tengo un par de comentarios sobre el artículo de Alston Chase. Estoy de acuerdo en que Kaczynski es un misterio por resolver, pero la última página de comentarios de Chase, lo que podríamos llamar su resumen, fue demasiado amplia, abstracta y, finalmente, poco convincente. En la primera frase de esta última sección, menciona los "poderes corrosivos del intelecto mismo". Esto es una peligrosa incongruencia.Eso debería estremecer a cualquier persona inteligente. Puede que haya muchas lecciones que aprender de la historia, y de considerar a Kaczynski, pero no creo que sea una de ellas. Chase insinúa que el intelecto es necesariamente arrogante. Pero no es el conocimiento lo corrosivo: es lo que aprendemos, o lo que dejamos de aprender. Nuestra "capacidad para concebir teorías o filosofías que promuevan la violencia", o para concebir cualquier teoría esotérica, no es el problema. Concebir no es creer. Personas mucho más estúpidas que Kaczynski eligen creer cosas que, aunque menos verbosas, son igual de defectuosas y violentas.

El problema parece ser que Kaczynski, a pesar de tener un coeficiente intelectual de genio, aún no era lo suficientemente inteligente como para analizar todas las inconsistencias y lagunas de la educación moderna y las brutalidades de la crianza estadounidense. Esto no es ninguna sorpresa, en realidad; Pero plantearlo en estos términos es sin duda menos alienante (y confuso) que sacar a relucir la "naturaleza del mal", Stalin, el martirio y escandalizarse de que los perros acorralados muerdan.

Por ejemplo, la sección más reveladora de Chase es donde aborda la diferencia entre relativismo y absolutismo. Ve a Kaczynski como un absolutista en una sociedad relativista, y tiene razón. Pero luego afirma que Kaczynski "absorbió el mensaje del positivismo, que exigía un razonamiento sin valores...". Aquí está la inconsistencia interna, el gusano en la nuez. En cuanto a la "verdad", Kaczynski es absolutista. En cuanto a la acción, o la "moralidad", es relativista: "no hay justificación lógica para la moralidad". Pero, en ese caso, Ted, no hay justificación lógica para la inmoralidad. Tampoco hay justificación lógica para la "naturaleza salvaje" ni para condenar la tecnología.

Tanto Chase como Kaczynski comienzan intentando justificar una postura intelectual contra el relativismo, pero terminan perjudicando a los absolutistas: Kaczynski al intentar justificar la violencia con pseudofilosofía, y Chase al perderse en lugares comunes y abstracciones.

Lo que cabe destacar en este artículo, y en la educación moderna en general, es que existen dos tipos de "absolutismo" que se han confundido durante mucho tiempo. Existe el absolutismo del tipo "Deutschland über alles", que es obviamente absurdo. Y luego está el absolutismo que afirma que, para cualquier situación específica, existen mejores y peores maneras de hacer las cosas. Este tipo de absolutismo nunca ha sido refutado. Es de sentido común. Pero incluso los pensadores más inteligentes a menudo se pierden en el paso de lo general a lo específico. Los avances en la "tolerancia" han llevado a una mayor conciencia de que las afirmaciones generales (especialmente las afirmaciones de verdad) no son tan fáciles de defender como se creía. La verdad es relativa a la situación. Pero esto no significa que no exista la verdad. Para cualquier situación dada, los hechos permanecen. Verdad,en cualquier caso específico, no es relativo.

Del mismo modo, el problema con los científicos no es que sean corrosivamente inteligentes ni que la ciencia en sí sea malvada. Es que son filósofos muy malos y están muy mal socializados. El "humanismo" no ha llenado el vacío de una religión muerta porque el humanismo en sí mismo es un vacío. Las humanidades son letra muerta. Como sociedad, casi no invertimos dinero, tiempo ni inteligencia en enseñar o considerar estas cuestiones tan importantes, salvo de forma fugaz y superficial. La gente recurre a la "autoayuda" como si fuera un pasatiempo, un recurso provisional o una droga. Nuestros departamentos de psicología están en auge, pero eso no es motivo de celebración. La psicología moderna es un sustituto superficial de la filosofía clásica. El positivismo, el conductismo y otros filtros estrechos se han aplicado a la curiosidad natural, e incluso nuestras listas de lectura se han secado.

Aparentemente, ya no existen fuentes vivas de sabiduría, o ninguna que reciba dinero para dar conferencias en Harvard o Berkeley. Gastamos cantidades increíbles de dinero reclutando y formando científicos y empresarios, financiando cátedras y financiando investigaciones. No gastamos dinero ni tiempo en producir personas que sepan vivir. Kaczynski y Chase huyeron a Montana para comprarse la paz: solo leyeron los libros equivocados o los leyeron con poca luz. Aquellos menos inteligentes, que también carecen de maestros dignos de respeto, leen libros aún peores: L. Ron Hubbard, Kahlil Gibran o B.F. Skinner.

Nada cambiará hasta que comencemos a enseñar a la gente a vivir de nuevo. No como dogma o adoctrinamiento (al que le tenemos tanto miedo que literalmente no podemos ver con claridad). Sino como ejemplos de vidas exitosas vividas por personas reales, ya sea Jesús o Buda, o George Washington o Winston Churchill, o Rosa Parks o Martin Luther King, o Betty Friedan o Faye Wattleton, o Noam Chomsky o Wendell Berry, o Lewis Thomas o Aldo Leopold. Por qué no tenemos a Chomsky dando conferencias sobre temas generales, en lugar de solo lingüística o política exterior, es un misterio para mí. Ralph Nader debería recibir cantidades exorbitantes de Stanford o Yale para transmitir todo lo que sabe, no solo sus opiniones sobre problemas de consumo. Este país podría usar a miles de jóvenes cortados de su molde. Lo mismo para Wendell Berry. Y Faye Wattleton. Y muchos otros.

¿Por qué no lo hacemos? Por dos razones. Primero, porque sería malo para los negocios. Un Nader y un Chomsky ya es bastante malo. Dejemos que esos genes (verdaderamente) intelectuales comiencen a multiplicarse, y algunas personas van a perder mucho dinero. Y aquí es donde Kaczynski tiene razón. Donde está justificado (ya sea lógica o moralmente, es una cuestión de semántica). El control corporativo del gobierno y la educación es una mala idea. No porque yo diga que lo sea, o porque quiera que lo sea, sino porque se puede demostrar que es a satisfacción de cualquier persona cuerda.

Y segundo, porque hemos malinterpretado la democracia. Lo que buscábamos era igualdad de oportunidades, justicia y un máximo de autogobierno. Pero al desmantelar las falsas jerarquías, también hemos desmantelado las verdaderas. Las jerarquías que permiten la existencia de maestros y mentores para la transmisión del conocimiento. Los adolescentes ahora creen haber alcanzado la cima de la sabiduría a los dieciséis años (o, como nos dice un best seller, la alcanzamos a los cinco). Si todos somos iguales y la verdad es relativa, ¿qué hay que aprender? Los mayores que les enseñarían esto no merecen respeto, y los jóvenes lo saben: así que el círculo vicioso se ha vuelto vicioso.

Hay una razón por la que la "élite educada" de Chase está inquieta. Están comprometidos con un sistema que saben que está mal y no tienen el coraje de desprenderse de él. No hacen más que leer y escribir libros (libros que nadie menor de treinta lee). Pero si la violencia está mal, entonces la alternativa es la acción no violenta. La alternativa es vivir la vida de otra manera. No trabajes para la gran empresa. No compres todo. No votes por los imbéciles. No dediques más tiempo a "ganarte la vida" que a enseñarte a ti mismo y a tus hijos a vivir. Y habla con tus vecinos: juntos pueden encontrar el coraje para resistir. En resumen, lo que sea necesario, hazlo tú mismo, en la medida de lo posible.

Y una última cosa: un estilo de escritura es un signo de los tiempos. Un argumento, como el de Chase, que va de lo específico a lo abstracto, es a la vez un reflejo de la impotencia y una causa de ella. Las universidades y las revistas necesitan pensadores que, con elocuencia y erudición, puedan pasar de lo general a lo específico, dando al estudiante o lector la idea de que se puede hacer algo.

Platform [Revista de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Texas], 1998.

Acabo de leer el artículo sobre la controversia del Museo Blanton en el número más reciente, y no me sorprendió encontrar un argumento parcial. Supongo que no te corresponde ofrecer tu propia refutación, pero podrías haberles dado a tus lectores una idea más clara de este desacuerdo. Página tras página describiendo tus propias hazañas y la idiotez de los Regentes no contribuye a establecer tu credibilidad ante el mundo exterior. Pero, me recuerdo, para quienes están en el PoMo no existe el mundo exterior.

Que quienes no están de acuerdo contigo no grapen carteles ni griten insultos infantiles a las cámaras no significa que no tengas oposición. Siempre he despreciado a los Regentes, así que no creas que apoyo sus posturas al criticar las tuyas. Pero nunca me ha quedado claro por qué las escuelas de arquitectura e historia del arte consideraban este museo suyo. Desde el principio, simplemente han asumido que el diseño del museo sería vanguardista, cuanto más, mejor. Los Regentes no han actuado democráticamente, como has dicho una y otra vez. ¿Pero tú sí? No recuerdo ningún referéndum ni votación al respecto. Los gustos de Tony Sánchez han sido (con razón) cuestionados. Pero ¿por qué deberíamos descartar los suyos y aceptar los tuyos? No entiendo cómo sus opiniones son cuestión de gustos, pero las tuyas no. Te recomiendo que no involucres la "democracia" en absoluto si quieres ganar al final. Los Regentes tienen una concentración extrema de poder, es cierto. Pero el PoMo también es solo una pequeña minoría de personas interesadas, como ha demostrado todo este fiasco. No creo que ni Larry Speck ni Jessie Otto Hite representen a ninguna mayoría en esta ciudad.

Lo cierto es que la Sra. Hite ha organizado una serie de exposiciones que nadie, salvo algunos académicos y aspirantes a críticos de arte, quiere ver. La nueva colección de Suida Manning atrajo a algunas personas al campus, pero incluso eso se ha sobrevendido. La mayoría de las obras son restos de mala calidad que los museos reales no querían, o fueron demasiado astutos para pujar por ellos en su momento. Y Jonathan Bober es probablemente el mayor impostor al oeste del Mississippi. Personalmente, nunca volveré al Blanton, aunque solo sea por miedo a tener que volver a escucharlo hablar de sí mismo con tono estentóreo. En cuanto a las exposiciones de arte contemporáneo: cualquier participación del público es estrictamente una obra benéfica. Todos los museos de Austin llevan veinte años inculcando al público la propaganda política del PoMo. Se critica a las "masas" por su apatía hacia el arte. Pero no es que no les interese, sino que les desinteresan las conceptualizaciones vacías que se hacen pasar por arte. ¿Hasta cuándo podrán los académicos seguir desestimando el desencanto generalizado con el PosMo como estrechez burguesa o reincidencia política? ¿Hasta cuándo seguirán predicando el "pluralismo" y la "inclusión" sin apelar a nadie más que a los teóricos del arte y a la vanguardia de los nebbishes políticamente correctos?

Lo más triste de todo esto es que, una vez más, el arte queda fuera de la ecuación. Uno pensaría que el arte sería la principal preocupación de un museo. Pero cuando todas estas disputas terminen y el Blanton se erija, enorme y costoso, en cualquier sitio que se elija, permanecerá prácticamente vacío de arte. Y permanecerá completamente vacío de gran arte contemporáneo. ¿Por qué? Porque no hay gran arte contemporáneo. El PosMo lo ha destruido. El término "grande", como el término "talento" o el término "belleza", está obsoleto. Está prohibido. Es jerárquico, y no queremos más jerarquías, gracias. La teoría misma ha convertido el "gran arte" en una contradicción. Así que Austin tendrá otro edificio, probablemente no mejor, y con suerte no peor, que el Centro de Convenciones o el aeropuerto. Tendrá curadores, directores, benefactores adinerados, patrocinadores corporativos, críticos de arte y expertos en arquitectura, todos felicitándose mutuamente por el bien que han hecho al arte. Nuestros custodios del arte. Pero seguiremos sin tener arte.

Marilyn vos Savant, Parade Magazine, 2000.

Querida Marilyn,

Esto concierne a tus recientes comentarios sobre el arte, la música y tus sueños filantrópicos personales. Debes saber que alguien está de acuerdo contigo. No creo que el arte esté muerto ni que exista una necesidad histórica de estar donde estamos. Aún es posible hacer cosas buenas. Que no sean reales es un fracaso institucional y social, cuyas causas son complejas y están profundamente arraigadas. Que haya causas no significa que no pudiéramos haber elegido de otra manera, o que no podamos elegir de otra manera ahora.

Tu creencia de que alguien necesita crear nuevas instituciones artísticas es correcta. Pero necesitamos escuelas más que museos, ya que el dinero que ahora gastamos en museos se desperdicia en instalaciones de vanguardia y otras posturas políticas. La triste verdad es que casi no queda nadie para enseñar en estas escuelas, incluso si las financiamos. La tradición ha sido cortada durante tanto tiempo y a tal profundidad que será muy difícil reconstruirla. La deconstrucción ha tenido tanto éxito que la reconstrucción se convierte en un gran problema. Puede que no quede suficiente levadura para levar el pan.

Tampoco hay consenso sobre si es necesario hacer algo. A la mayoría de quienes están de acuerdo contigo simplemente no les importa lo suficiente como para decirlo, y mucho menos hacer algo. Salvo unos pocos en el sector, el arte no es una prioridad. Y los defensores del modernismo siguen atrincherados y muy poderosos. Las universidades son monolíticamente posmodernas, al igual que el mercado y los medios de comunicación. El modernismo está controlado por marchantes, curadores y críticos no artísticos, principalmente en Nueva York. El arte se define únicamente por la teoría, lo que les permite suprimir la oposición. El arte que no requiere explicación ni marketing, que elude a los sacerdotes del modernismo, es un peligro para ellos, y será muy difícil desalojar. Aún quedan algunos mercados "decorativos", para flores, vaqueros y cosas así, es cierto. Pero esto no es una señal de esperanza. Gran parte del gran arte del pasado estaría prohibido en los mercados modernos o decorativos actuales. Tendría demasiada habilidad y sinceridad para el primero, demasiada emoción y contenido para el segundo.

Tu opinión sobre Picasso también es sólida y es improbable que cambie, independientemente de lo que leas o veas. Sus periodos Azul y Rosa son encantadores y conmovedores. Casi todo lo demás está dirigido a la crítica y solo sirve de alimento para los escritores. Él mismo lo admitió. Le interesaba principalmente la fama. No se enorgullecía del Guernica , que los socialistas españoles lo presionaron para pintar. Su primer lienzo sobre el tema fue un desnudo de su amante Dora Maar. Cuando los socialistas protestaron, pintó otro cuadro en cuestión de días y les permitió que se lo llevaran sin terminar. Dijo: "¡Terminado o no, sáquenlo de aquí!". El resto de su carrera puede verse de forma similar. Viaja si quieres y lee para saber la verdad, pero prepárate para aumentar tu cinismo en lugar de descubrir nuevas profundidades en el arte contemporáneo. No las hay.

Las soluciones democráticas también han fracasado. Algunos han atacado a la vanguardia tachándola de elitista, esperando una alianza con el pueblo. Desafortunadamente, se ha descubierto que este tipo de alianza no impulsa el arte que uno desea. Puede que impulse a Hollywood y la música pop, pero no aporta nada a la poesía, la escultura ni la pintura. El arte verdaderamente bello es excepcional, por definición. En cierto sentido, es elitista . Lo producen los mejores artistas, que, por supuesto, pertenecen a la élite. Aunque se podría pensar que esta idea es de sentido común, no es fácil generalizarla. Hoy en día, a la mayoría de la gente le ofende cualquier elitismo, y el sentido común ya no es común. Y la mayoría de la gente no prefiere a Elvira Madigan a Elvis.

Uno pensaría que debe existir un margen en alguna parte: aficionados a la ópera que querían escuchar nuevas óperas de calidad, músicos de formación clásica que querían interpretar o componer algo nuevo y bello, coleccionistas de pinturas de antiguos maestros que también querían nuevos maestros, jóvenes artistas que ignoraban el mercado. Pero no es así. A la mayoría de los expertos en ópera y coleccionistas de arte no les importa el arte más que a los peregrinos de Graceland. Están ahí por la inversión o por la sociedad. Los pocos que aman el arte aparentemente no sienten preocupación por la historia del arte. Están convencidos de que se acabó, y punto. Quienes tienen dinero creen que no tienen a quién dárselo, y la mayoría de quienes aman el arte no lo tienen.

Si tuvieras que dar dinero a individuos en lugar de a instituciones, ¿podrías encontrar grandes poetas, pintores, escultores o compositores clásicos? La mayoría no puede. Los filántropos dependen de las fundaciones. Pero las fundaciones tampoco tienen listas. Financian a los artistas falsos que criticas. Todo el sistema está roto, incluso donde hay dinero. Y está roto a propósito, para beneficiar a los impostores. La única solución es que los amantes del arte apoyen el arte directamente. Nada más funcionará. Necesitamos mecenazgo directo, no fundaciones ni patrocinio corporativo. Y necesitamos aprendizaje, no escuelas u otras instituciones nuevas administradas por personas que no son artistas.

Agradezco mucho que abordes estos temas en tu columna. Puedes esperar que los "expertos" en el campo que estás "invadiendo" como "aficionado" te sigan intimidando. Pero recuerda siempre quién te ataca. No son artistas, ni siquiera aficionados, ya que solo aman el dinero y la fama. Son infinitamente más egoístas que tú, aunque afirmen abiertamente lo contrario.

Como artista "inteligente", he sido durante mucho tiempo el blanco de todas las críticas que ahora te lanzan. Se espera que un intelectual pinte como tal. No se permite presumir de dibujante o técnico, pero sí de progresista, cínico, teórico, innovador y generador de agitación y propaganda. Cuando se descubre mi trabajo por primera vez, se asume que soy estúpido. Cuando se descubre que no lo soy, se asume que soy inconsciente. Cuando se descubre que no lo soy, se asume que soy neoconservador. Y así sucesivamente. Creo que podrías estar recibiendo las mismas críticas. Has pasado directamente a ser inconsciente, ya que tu coeficiente intelectual no está en duda. La presión aumentará cuanto más sepas y te importe. Y si tienes éxito promoviendo tus ideas, prepárate para que la apuesta suba.

Estarás expuesto a mucha literatura de la oposición. No es fácil encontrar material que respalde tu propia opinión. Si necesitas ayuda para descubrirlo, estoy a tu servicio. Tengo muchas citas interesantes de la historia que ya no son de dominio público. Al defender los derechos de mi sistema límbico o mi ello, he convertido mi neocórtex en un guerrero; y quizá te interese saber que el ego puede ser bastante protector del subconsciente. Es decir, la razón puede argumentar a favor de la pasión con la misma persuasión con la que la ha contrarrestado.

He incluido una o dos fotos de mi trabajo. Tienes un aliado: no muy potente todavía, pero sí serio. Y quizá te interese ver exactamente qué se está ignorando en favor de tiburones en tanques y cuerdas colgando del techo.

Daily Texan, Universidad de Texas, Austin, 1998.

Con respecto al anuncio del nuevo museo de arte en el campus, me siento obligado a señalar que lo que dije en la revista XL sobre los planes del Museo de Arte de Austin para un gran museo cívico se aplica también al Museo Blanton. El dinero de estas personas adineradas se invertiría mejor en fundar o fomentar escuelas de arte que enseñen pintura y escultura, o en crear comisiones para artistas vivos con talento, o en asesoramiento laboral para críticos y administradores de arte. Construir otra mazmorra fea y cara puede engrosar la cuenta bancaria de algún arquitecto sin talento y emplear a x número de curadores y hacer que los nombres de todos aparezcan en el periódico, pero no hará nada por el arte. El HRC y la Colección Michener ya son una vasta publicidad para el no arte, y dudo que necesitemos más espacio en las paredes donde Hoffmann, Gottlieb y Rothko puedan pudrirse. Aprecio el deseo del Sr. Michener, el Sr. Rappoport y el Sr. Blanton de patrocinar las artes, pero los canales actuales están tan corrompidos que los benefactores ya no pueden asumir beneficencia. Hasta que los posmodernos y su formalismo, dadaísmo, futurismo y pseudopolítica sean expulsados ​​del arte visual, cada dólar es solo un ladrillo más en el muro.

The Horsefly, Taos, mayo de 2009.

He leído dos "reseñas" suyas de Hopper en el Harwood, en abril y mayo, y aún no he escuchado una palabra sustancial. No hay reseña, solo muchas citas vaporosas de Dave Hickey sobre la cultura en general. Por supuesto, no puede abordar el arte en sí, ya que es tan insignificante. Pero incluso sus comentarios sobre la cultura carecen de sentido o son falsos. Me llamó especialmente la atención esta de la "reseña" de abril: colectivamente, las estrellas del deporte y las celebridades tienen un estatus ligeramente inferior al de las camareras de cócteles o los jefes de sala.¡Menuda barbaridad! ¿Cuándo tienen las camareras o los jefes de sala la oportunidad de comprarse una exposición en el museo? Esta exposición en el Harwood gira en torno a la fama, como es obvio para cualquiera despierto. ¿Se imaginan que la gente va a ver el "arte"? No, esperan encontrarse con alguien famoso.

Y no entiendo por qué los autodenominados "progresistas" le dan vía libre a Hopper, dándole promoción gratuita sin la menor crítica. Recuerden, Hopper ha sido republicano durante décadas, desde que el Duque le exprimió hasta sus principios más superficiales riéndose de él en los años 70. Sí, dice que votó por Obama, pero solo porque no le gustaba Palin. No porque estuviera en contra de las guerras de Afganistán o Irak, no porque le horrorizaran las mentiras sobre el 11-S, no porque estuviera en contra de las Leyes Patriotas, los Tribunales Militares o las comisiones de tortura, sino porque no quería que una mujer fuera vicepresidenta. Hopper no es progresista en absoluto. Es un farsante. Y su arte es una porquería.

Taos no necesita un "verano del amor". Necesita un "verano de desentenderse". Necesita un verano de aprender a no caer rendido ante cualquier atisbo de propaganda que se le ocurra, ya sea política o artística.

Taos News, mayo de 2009.

Me entristece que en esta ciudad de supuesta diversidad no escuchemos ninguna contraopinión al aplauso de la cámara de comercio y la propaganda artística, que ya es ensordecedora, incluso antes de que comience el verano. Para limitarme al arte, he visto y oído mucha promoción gratuita por parte de los medios de comunicación para Dennis Hopper y sus colegas, pero ningún intento de crítica o reseña real. Incluso la prensa alternativa ha optado por rendirse a los pies de las celebridades que regresan. ¿Está todo el mundo realmente fascinado por el arte del Harwood? ¿Aún tiene la gente ojos en esta ciudad de mil "artistas"? Es difícil saberlo, ya que nunca escuchamos ni una palabra en la prensa sobre las obras de arte en sí. Todo es un nebuloso himno cultural a la nada, una reverencia sentimental y rimbombante al poder y al dinero, mientras se pronuncian palabras sin sentido sobre la democracia y el progreso. Se cita a Dave Hickey del catálogo, parloteando sobre nada, pero nunca vemos una foto de ninguna de las obras de arte. Esto es comprensible, ya que si el público supiera de antemano lo que iba a ver, ni siquiera se molestaría en pagar la entrada. Para terminar, un recordatorio para todos los aspirantes a críticos: una reseña de arte debe reseñar el arte; de ​​lo contrario, es indistinguible de la agitación y la propaganda.

Al editor, Taos News, 6 de agosto de 2009.

Re: “Provocateur”, Virginia Clark, artículo de portada del 6 de agosto, Tempo Magazine.Primero nos dicen que 900 personas han visto la exposición actual en el Harwood, comisariada por Dennis Hopper. Nos venden esa cifra como alta, pero en realidad es patéticamente baja. Si hacemos los cálculos, descubrimos que son unas 300 al mes (desde mayo), o 10 al día. Estadísticamente, es insignificante. Hay más personas que entran a los edificios por accidente. Si asumimos que los artistas, sus madres y el personal de limpieza han inflado la cifra, llegamos a uno o dos desconocidos al día que entraban a trompicones buscando un baño público, eran acorralados por el comisario y se les daba entrada gratuita, y salían a trompicones momentos después, parpadeando y con arcadas.

Luego nos dicen que el "famoso nacional" Dave Hickey ha "reprendido" diversas formas de "tonterías académicas". En primer lugar, nadie más que unos pocos conocedores pálidos, confundidos y nebbs han oído hablar de Hickey, lo que lo convierte en algo menos que una celebridad. En segundo lugar, es lógicamente imposible combatir el disparate académico con más disparates absurdos. Hickey "defiende firmemente la belleza sin límites de contenido ni criterios objetivos". Eso son puras tonterías, ya que la belleza tiene que significar algo. Es una palabra, y una palabra sin límites de contenido ni criterios objetivos es solo una volubilidad, como todo lo que sale de la cabeza inflada de Hickey. Hickey cree que el mercado del arte acrítico en Taos es "increíblemente estúpido", así que sabemos contra quién argumenta, pero el problema es a favor de quién argumenta. Se supone que Hickey defiende la belleza, se supone que es "antimodernista" de alguna manera, pero es completamente moderno en su elección de amigos, aquí y en otros lugares. Aunque es de Fort Worth, no precisamente el centro metropolitano del universo, ahora quiere ser visto como una celebridad de la gran ciudad, menospreciando a los "provincianos" ignorantes. Pero su elevación es toda falsa y fabricada, ya que las exposiciones que cura y la gente que promueve no crean nada de belleza. Nos ofrecen "mocos en gamuza" como "belleza sin límites de contenido". Se sientan en paneles y se dan palmadas en la espalda. Hickey es un hombre sin credenciales artísticas. Las Musas se ahogan en su misma aura.

Como un verdadero provocador, pregunto por qué el museo público ha sido cooptado por estas personas falsas y sus exposiciones falsas y sus catálogos falsos. ¿Por qué el periódico de la ciudad decidió imprimir su propaganda etérea y autoglorificación, sin editar y sin analizar?

Al editor, Taos News, 11 de septiembre de 2009

Primero que todo, obtuve mi número [900] directamente del propio reportero del Museo Harwood, así que SI el número es incorrecto, es su error, no el mío. Pero me parece conveniente que puedan cambiar el número cuando lo necesiten. Si me burlo del nuevo número, ¿simplemente inventarán un tercer número más alto? Observo que la página 29 de la revista Tempo de esa semanaEl [6 de agosto] ha sido eliminado de la web, como primer paso para reescribir la historia. En segundo lugar, había calificado al público de Hickey de "pálido, ingenuo y confundido" y Frank Bergman, de Dallas, escribió para demostrar que no es pálido ni ingenuo mencionando su historial militar, aunque no estamos seguros de qué tiene que ver el ejército con el arte. Debemos asumir que simplemente se está envolviendo en la bandera, como suele hacer Hickey . Bergman puede o no tener un bronceado militar (necesitaríamos una foto reciente para verificarlo), pero solo demuestra su confusión cuando dice que no puede encontrarme en línea. Debe estar usando algún nuevo buscador militar, ya que Google devuelve cientos de resultados cuando escribo mi nombre, y muchos de ellos son pertinentes a su pregunta sobre las credenciales. 

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